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Desde la web MasterClass, el compositor Hans Zimmer ha participado en un curso (Hans Zimmer Teaches Film Scoring) en el que se ha propuesto enseñar la creación de música para cine con 31 vídeos y con la asignación de trabajos y tareas a los estudiantes inscritos previo pago, a modo de formación on-line. Naturalmente, no podemos (ni pretendemos) compartir públicamente un contenido que es privado y de pago, pero sí queremos explicarlo. Lo vamos a hacer por capítulos, resumiendo lo que en ellos se cuenta y, si procede, añadiendo nuestro punto de vista, y abriendo debate con ello.
Vamos a hacerlo correlativamente. Es probable que los 31 vídeos tengan continuidad entre sí, y no sean capítulos independientes, pero es algo que aún no sabemos: empezamos de cero e iremos publicando nuestras impresiones según los veamos. Aparentemente en los vídeos solo aparece el compositor hablando, sin apoyo de ejemplos audiovisuales. Es probable que eso sea un hándicap, pero intentaremos complementarlo con enlaces, si los hubiera. Es llamativo -si finalmente se confirma- que con el enorme poder e influencia que tiene Zimmer no haya querido/podido insertar fragmentos de películas. Probablemente sea debido a los costes que las productoras imponen para utilizar su material (nosotros, en Lecciones de Música de Cine, lo podemos hacer porque no tenemos pretensión de comercializarlos).
Nos vamos a limitar a comentar las cuestiones cinematográficas, las del lenguaje narrativo, y dejaremos de lado salvo en lo imprescindible la terminología musical pues sería farragoso resumirlo y no creemos que podamos aportar mucho. Empezamos pues. Esperamos sea de vuestro interés!
1.- Introduction (introducción). Duración: 3:31
Este breve vídeo es una mera presentación formal, con los espacios desde donde hablará el compositor: una sala de cine, su mesa de trabajo y un sofá. Zimmer aparece y explica que no quiere que sus dificultades con el inglés (habiendo crecido hablando en alemán) sean un inconveniente para expresarse, así que confía que, llegado el caso, sea su música la que hable por él, porque es mi lenguaje, mi comunicación formal.
Explica que ha aceptado hacer esta masterclass para mostrar lo que ha hecho y para recomendar que los alumnos no lo hagan, que trabajen en sus propias ideas. Y anima a luchar por lo que se ama, en este caso hacer música para películas.
2.- Themes (temas). Duración: 15:50
Nada tiene significado hasta que tienes una melodía. Tienes que pensar cómo escribir algo que sea original pero a la vez no demasiado original porque debe ser apropiado para la historia. No hacemos música de concierto, tratamos de construir el relato paralelo que los cineastas proponen. Hay restricciones pero se supone que debes ser completamente libre. Es una contradicción, la hay en todo lo que hago.
Explica, referenciando la quinta de Beethoven, lo importantes que son las primeras notas, la base sobre las que luego puede abrirse el vasto arco de emociones que requiera la historia.
Hay una manera natural en la música donde básicamente estás manteniendo una conversación, o donde quieres mantenerla. En este apartado del vídeo comenta cómo la música plantea una pregunta y a continuación da una respuesta a esa pregunta, y esa es la conversación a la que se refiere. En The Thin Red Line, explica Zimmer, una de las cosas que Terrence Malick no paraba de decir es que la pregunta es más interesante que la respuesta, y toda la película plantea preguntas, ¡nunca se contesta nada! A veces es aburrido dar contestaciones... para mantener la tensión, intensificas las preguntas.
Del mismo modo, según él, que lo menos interesante de una historia de amor es el te amo, que hay que intentar posponerlo al máximo, el diálogo de pregunta/respuesta puede servir para mantener la tensión, incluso haciendo que antes de que se complete la respuesta aparezca una nueva pregunta. Lo ejemplifica con el tema principal de Sherlock Holmes (audio)
Zimmer relata que Christopher Nolan no le explicó lo que era ni lo que quería para Interstellar, simplemente le dio una breve hoja donde se explicaba la relación de un padre con su hija. El compositor pensó en su propio hijo y a partir de ahí le salió una melodía muy sencilla y elemental (audio). Luego le hizo saber que la película era espacial, con escenarios tan inmensos como el propio Universo.
El compositor dice aquí algo de sumo interés: Es fácil ir a lo grande, hacer algo bombástico... pero sabíamos que así podríamos regresar al corazón de la historia. La sencillez de una melodía te permite luego expandirla. Si el túetano lo tienes intelectual y emocionalmente atado, ya tienes algo. Como las primeras notas de la quinta de Beethoven. Ahí tienes todo lo que necesitas.
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Nuestro Comentario:
Esto último es una gran ensañanza, lo mejor del capítulo y desde luego un buen punto de partida. Imaginemos la construcción de Interstellar pero al revés, comenzando a lo grande, con un gran tema épico sinfónico (el espacio infinito, la odisea máxima...).... ¿cómo sacar de este tema la esencia de lo que es verdaderamente importante en el relato, que es el amor entre padre e hija?.
Es fundamental, y Zimmer tiene razón, que la música esté bien focalizada y como indica, bien atada: el espectador debe comprender su significación emocional pero especialmente intelectual. Si la entiende, luego se puede llevar la música a otros estadios más grandes, pero el significado se mantendrá igual si esas sencillas notas aparecen (o cuando aparezcan). Es mucho más fácil que intentar señalar una parte concreta de un tema épico para indicar que esa es la referencia básica (que puede hacerse, por ejemplo despiezándola como leit motif o por la reiteración). Pero el trabajo del compositor de cine es facilitar la narración cinematográfica, y lo que explica Zimmer es una lección muy útil y muy válida.
