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Continuamos repasando y comentando el curso Hans Zimmer Teaches Film Scoring, impartido desde la web MasterClass por el compositor alemán.
25 y 26.- Writing Tips (consejos y pautas). Duración: 27:38
Write Every Day (escribe cada día)
John Powell y yo solemos hablar de la crisis del comienzo de una película, cuando no sabemos qué hacer (...) porque parte del problema con la música es que no sabes realmente de dónde viene (...) A veces lleva su tiempo tener una película bajo tus dedos (...) pero si escribes cada día, y no importa el qué (...) desarrollas el hábito de hacerlo.
A diferencia de lo que sucedía antes, explica Zimmer, el proceso de creación musical puede hacerse a la par que la película se completa, técnicamente hablando. Esto es así especialmente en filmes que requieran de tecnología digital, que suele ser la última en ser completada. Antes al compositor le llegaba una película que ya no podía ser cambiada, lo que no sucede ahora. Zimmer asegura que él comienza desde el mismo principio, elaborando las músicas, sonidos, etc, a la par que se hace el resto de la película, para luego llegar con mucho material hecho a los ajustes finales.
Insiste aquí en lo que ya explicó en el capítulo 13, sobre la importancia de volcar todas las ideas en un diario musical.
La cantidad de trabajo y las premuras de tiempo obligan a ser eficiente y organizado para poder componer y trabajar en equipo y cumplir los plazos. Explica que en Black Hawk Down (02) se trabajó a contrarreloj, tanto como para que cuando alguien (no especifica quien, seguramente gente de su equipo) tenía una idea la grababa con cámara de vídeo para que no se perdiera ninguna música. El compositor se confiesa poco organizado y por eso celebra contar con un equipo que sí mantiene el orden.
Afirma Zimmer que para mi una banda sonora fracasada es una en la que me repito a mi mismo, lo que no significa que no me repita. Y habla a continuación de lo importante que es el diálogo pregunta/respuesta en la música (lo que ya explicó en el capítulo 2), así que considera que las preguntas son más importantes y marcan la diferencia, porque son las que dan al espectador una experiencia distinta. En las preguntas es donde está lo inesperado.
Si hay una regla has de pensar cómo romperla, porque es la única manera de avanzar (...) y de sentir que algo nuevo y fresco está sucediendo.
Zimmer advierte acerca de la inercia inevitable que, con las manos puestas en el piano, se comience a hacer una música que acabe siendo muy parecida a la anterior que se ha creada, por la memoria muscular. Él afirma evitar tocar hasta que no tiene en mente algo nuevo y diferente.
El estar bloqueado es natural, por las dudas sobre qué y para qué escribir la música. Zimmer comenta que puede que la solución no esté en el guion o en la imagen, sino en algún elemento aparentemente secundario que, con la música, pueda hacerse importante: Una vez sé en qué puedo contribuir, ya sé lo que escribir. Hasta ese momento, estoy sentado en estado de pánico.
He hecho cosas muy interesantes en filmes con poco presupuesto y otras aburridas en películas con mucho. El presupuesto no debería afectar el proceso creativo. Este tiene lugar en tu cabeza y cada día es más fácil encontrar la forma de crear cosas mientras tengas ideas. Y las ideas no están limitadas por el presupuesto (...) Si tu idea es que necesitas la mayor orquesta sinfónica y que es la única manera en la que puedes hacerlo no es un problema de presupuesto sino tuyo, que estás limitado por tu imaginación.
Los medios de que se dispone -afirma el compositor- no deben condicionar la creatividad. Pero esta solo surge tras mucho trabajo y mucha dedicación, y la manera de lograrlo es amando lo que se hace, con pasión. Con ella, las noches en vela se hacen más llevaderas.
27.- Hans' Journey (el viaje de Hans). Duración: 14:40
Crecí en Alemania sin televisión. Mis padres básicamente pensaban que la televisión era el fin de la cultura. Recuerdo a la edad de doce años colándome por la puerta de atrás de un pequeño cine local donde estaban proyectando C'era una volta il west (68), con las inmensas imágenes de Leone y la música de Ennio Morricone. Me dije: Esto es lo que quiero hacer. Me han estado engañando toda mi vida llevándome a conciertos y óperas. ¡Esto es lo que yo quiero!
Zimmer relata esta experiencia como su punto de partida para decidir ser un compositor que más que música, escribiera historias con ella, y progresivamente quedé más fascinado por las posibilidades que había entre la música y las imágenes. Compara la libertad que sentía haciendo en los ochenta música para películas británicas con la de grabar discos y explica que se sintió mucho más libre haciendo cine que grabando discos comerciales donde debía hacer uno u otro tipo de música ya prefijada.
Comenta que en toda música hay una narración, por abstracta que sea la música. Es por ello, explica, que desde pronto quiso hacer cine, pero no como cantante o participando en la banda sonora sino que en la película, la historia y las imágenes son la fuerza conductora y yo he de ser la locomotora que ayuda a explicarlas (...) Siempre quise formar parte de esta banda en la que los otros miembros no eran músicos: directores, guionistas, actores (...) Me veo más como cineasta que como músico (...) porque sé cómo comunicarme en el lenguaje cinematográfico.
Explica que la mujer del director Barry Levinson vio A World Apart (88), compró el cd de la banda sonora y se lo regaló a su marido, que estaba preparando Rain Man (88). Una noche Levinson se presentó en su estudio en Londres y le propuso trabajar en la película. El compositor viajó por vez primera a Los Angeles, de la que no sabía absolutamente nada sobre su sistema de trabajo ni conocía a nadie. Instaló sus sintetizadores en la sala de al lado donde montaban y de este modo pudo participar en la creación del filme de modo muy activo. Así empezó el cambio radical en su vida profesional.
Zimmer relata que sus comienzos en el cine fueron como el chico de los cafés de Stanley Myers (literalmente, además: el compositor británico se había comprado una máquina de expresso que no sabía manejar, que Zimmer sí, y de este modo pudo entrar y salir de su estudio). Observó una situación de bloqueo de Myers y un director frente a una escena, que no sabían cómo abordar. Pero al final un par de notas que sugirió comenzaron a dar la solución. Afirma que es fundamental estar y ser parte del proceso, aunque sea estando en una esquina, porque es donde más se aprende, mucho más que en escuelas donde enseñan teoría o grandes principios: la práctica y el estar en el equipo, y entender que no hay preguntas estúpidas porque todo contribuye a construir.
Comenta su experiencia personal como padre que renunció a llevar una vida normal con horario normal para atender a sus hijos pero que a cambio de sus hábitos nocturnos (que es cuando compone) transmitió a sus hijos amor y pasión por la música. No paro de pensar que soy la persona más afortunada del mundo por tener este trabajo, por poder hacerlo, y soy la persona más afortunada del mundo porque soy incapaz de hacer otra cosa.
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Nuestro Comentario: No hay mucho que decir con respecto a los acertadísimos consejos y sugerencias de Zimmer, como no perder la práctica de escribir, hacerlo cuanto antes mejor (y que los directores y productores entiendan que también es mejor para la película), ser organizado y disciplinado, ser reflexivo y saber ajustarse a las posibilidades reales y no buscar imposibles. Pero sí quiero destacar, porque son sumamente importantes, dos cosas:
1.- La libertad que da el cine es algo naturalmente relativo y está absolutamente sujeto a la funcionalidad y a lo que la película demande, como es de sentido común (¡no hay libertad en poner jazz en un filme medieval, por ejemplo!), pero dentro de los margenes que permite el resto de la película y del respeto a su arquitectura narrativa, el compositor tiene un amplio ámbito creativo que puede resultar muy estimulante. El que sea música aplicada no la hace música encadenada, necesariamente.
2.- Me veo más como cineasta que como músico. Esta es, probablemente, la frase más importante de todo el serial de vídeos que estamos comentando, y es la frase más importante que puede decir un compositor de cine sobre sí mismo. Llevo años -y no siempre siendo comprendido- afirmando que el objetivo de un compositor de cine es ser cineasta, no limitarse a poner música. Y es por ello que me es tan grato escucharlo en su boca y que pueda servir, también, para callar no pocas bocas entre críticos cinematográficos, directores y productores. El compositor de cine, como expliqué en un editorial, puede ser El cineasta total. Y que lo es lo vengo demostrando en artículos del Ágora, en capítulos de Lecciones de Música de Cine y así lo seguiré haciendo.
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